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Aplausos. Cómo aplaudir. Curiosidades

Todos sabemos en la práctica qué es un aplauso, y sabemos llevarlo a cabo. Es más, podemos aplaudir grave, agudo, rápido, lento, con dos dedos, con toda la palma.... ¡Vaya recurso expresivo acabo de encontrar!

Aplaudimos para transmitir, generalmente en público, nuestra aprobación tras un concierto, discurso, obra teatral o quizás la actuación espontánea de alguien. Incluso podemos medir la opinión del público según la intensidad y duración del aplauso: no es lo mismo un aplauso bien ruidoso, pleno y prolongado que uno más bien débil, con leves pausas de silencio y corto. ¡Sobra decir que cualquier artista busca el mayor aplauso posible!

¿Sabeis que los niños y los chimpancés aplauden espontáneamente?

Observando este fenómeno más de cerca, y gracias a la experimentación de cada uno por lo cercano de este recurso (solo hay que entrechocar las manos), generalmente se percibe el aplauso como una forma aleatoria de crear ruido, pero si estamos atentos siempre observaremos a alguien cercano palmeando al mismo ritmo que nosotros. ¿Por qué? Nuestra el oído humano tiende a lo que consideramos como "armonioso", lo sincronizado, lo que "suena bien"; unido a la acción natural de copiar, observar que otra persona lo hace como nosotros lo entendemos como que lo que hacemos lo hacemos bien y es socialmente aceptado.

¿Y qué es socialmente aceptado? En cada cultura existen ciertas convenciones sociales. Por ejemplo, en la cultura occidental en un concierto de música clásica está mal visto el aplauso a mansalva.
La "norma" es que no se puede aplaudir más que al comienzo del concierto y al final de cada obra, nunca entre movimientos. ¡Si aplaudes entre movimientos te mirarán mal!
Pero esto no ha sido siempre así. En el siglo XVII cuanto más ruido se hiciera, acompañando a los aplausos chasquidos, pisotones, silbidos, etc., más aprobación se mostraba. Además hasta hace poco más de un siglo se aplaudía entre movimientos de una misma obra y, cuanto más largo fuera el aplauso, más satisfacción para el artista y compositor. Beethoven por ejemplo escribía contundentes cadencias para ganarse así el aplauso. Además tenemos documentada una queja de Brahms porque nadie aplaudió en el estreno de su primer concierto para piano.
En la actualidad, en ciertas ciudad como Berlin, en los teatros prohíben el aplauso durante el total del espectáculo y antes de la bajada del telón.
En China a menudo se aplaude a los visitantes como signo de bienvenida. La costumbre es devolver el aplauso.


Un tipo de aplauso muy curioso, y efectivo dicho sea de paso, que en España no se usa es el llamado aplauso americano. Se trata en que el público primero aplaude al azar, como todos estamos acostumbrados, pero si ha gustado mucho, de repente alguien (o varios) comienzan a aplaudir muy lento, todo el público se sincroniza y poco a poco se va subiendo la velocidad hasta terminar en una ovación. La primera vez que lo vi fue en Hungría, pero también lo he vivido en Rumanía, Francia e Inglaterra, debe estar bastante generalizado en Europa.

El aplauso más largo de la historia ocurrió en 1991 y lo consiguió un español, Plácido Domingo tras la interpretación de Otelo en Viena. ¡¡El público aplauidió durante 80 minutos ininterrumpidos!! El tenor tuvo que salir hasta 101 veces al escenario.

Yo creo que el aplauso forma parte del espectáculo en sí; para mi vale más un aplauso caluroso y afectivo que no un aplauso perfecto (como muchos duchos en música clásica exigen). Lo que está claro es que en el arte todo es subjetivo.

Referencias:


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¿Cómo se graba música de una película?

A veces nos hemos preguntado, ¿cómo se habrá grabado esta banda sonora? O simplemente hemos pensado ¡Cómo me gusta la banda sonora de esta película! Pero realmente, ¿cuánto sabemos sobre cómo se monta una banda sonora de una película? (o documental, serie, etc.) Al fin y al cabo, y como tantas veces se ha dicho, la interrelación imagen – música es para nosotros algo normal, del día a día, tan normal que lo procesamos inconscientemente y prácticamente sin pensarlo, pero no por ello es un aspecto que haya que olvidar o no controlar al máximo pues, al igual que la imagen, una mala sincronización o un mal montaje nos llega directamente reduciendo la calidad de la obra total.
El cine quizás sea el arte que más nos implica con su argumento, sus imágenes con todos sus elementos (composición, encuadre, movimiento, ritmo…), relación cámara – actor, luces y colores, vestuario, maquillaje, sonidos, lenguaje… y como no, música. Pero aunque sea un proceso tan usual, la bibliografía con la que contamos es increiblemente escasa y en prácticamente todos los casos muy teórica (y más en español). Aquí trataremos de dar un punto de vista más práctico que satisfaga nuestra curiosidad y tengamos unas primeras nociones de este género musical. 
 
Lo ideal sería que, desde el comienzo de la producción de la película existiera una buena relación entre el director y el compositor y la música fuera concebida para dar auténtico sentido a la historia, que la música y la película se gestaran de manera paralela. Pero por razones comerciales entre otras, y sobretodo en la actualidad, este encuentro artístico no se da siempre dificultando y frustrando (y en muchos casos dimitiendo) a los compositores. 
El esquema básico que seguiría una composición de una Banda Sonora sería el siguiente:

1. Por lo general el trabajo del compositor es requerido en la fase de post-producción, cuando ya está realizado al menos un primer o casi definitivo montaje de la obra. Solo aquí se puede ver lo que el director quería y al final le salió. Aunque repetimos, una gestación paralela de la música con el filme sería lo ideal, ya que le da mayores posibilidades al compositor para adaptarse, sugerir nuevas ideas, etc. Sería bueno conocer las ideas y conceptos de la película, estudiar el storyboard…

2. Entonces tiene lugar la denominada spotting session, que es una reunión entre el director y el compositor donde ven juntos la película y deciden cómo va a ser la música, dónde va a aparecer y su función. En esta reunión también puede estar presente el productor y el editor de música. Pero que el compositor vea de antemano al menos el guión de la película es importante para poder llegar a esta reunión ya con ideas claras de lo que se podría hacer, los ritmos, los tiempos... Todo debe estar escrito: los momentos de entrada y salida de la música, el número total de pistas y la duración de cada una de ellas, importante para la gestión del proyecto. ¡Por supuesto tan importante decidir dónde va a haber música es también saber dónde no poner música! Quizás la parte más difícil de esta fase es decidir la función de la música en cada momento. Sobre este tema podéis encontrar en internet múltiples referencias respecto a las funciones de la música e imagen.


3. A continuación vendría el trabajo individual del compositor, es decir, la composición de todos los fragmentos musicales, con sus momentos contrastantes y sus elementos identificativos, y atendiendo a los deseos del equipo (si es que la composición no ha comenzado anteriormente). Partiendo de los datos obtenidos de la reunión, el compositor buscara caracterizar personajes, ambientar escenas, épocas, lugares, sugerir, provocar, etc. Pero aún en este punto es importante una comunicación fluida con el director. Pero no todos los directores confían en la intuición y creatividad del compositor imponiéndoles lo que se conoce como temp tracks o temporal music. Consiste en que los productores o el director ponen a la escena en la que están trabajando una música temporal que sugiera lo que el director quiere, sea composición original o existente de antes. Tener un modelo musical puede ser una ventaja al resolver problemas de comunicación con el director, especialmente cuando éste no sabe música. No habría problema si cuando contactaran director y compositor el primero no impusiera exactamente el estilo que quiere e incluso a veces con la misma orquestación o melodía similar, limitando el desarrollo dramático coherente de la música y la propia creatividad del compositor. Es una manera más de dirigir la composición de la banda sonora, en este caso importada de Hollywood.

4. Pero, ¿cómo se compone esta música? A día de hoy y gracias a la tecnología, los compositores cuentan con diversos programas que no sólo editan partituras y orquestan la composición con sus vastos bancos de sonidos sino que permiten la sincronización directa con la imagen de manera que los tiempos y los ritmos sean precisos. Entre los más usados se encuentra Sibelius, Sony Acid, Abaltat Express, Sonicfire Pro, etc. ¿Y antes? Pues es evidente, ¡a lápiz y papel! Aquí tenéis un ejemplo de Alexander Nevsky, dirigida por Sergei M. Eisenstein y música del compositor compositor Sergei Prokofiev. -->

5. Ahora que el compositor ha superado todos los problemas de la composición y se ha orquestado, necesita grabar su música. Justo antes de la grabación el compositor y el montador, el cual conoce las necesidades de cada escena a la perfección, establecen el denominado click track, una claqueta como si metrónomo se tratara que marca el ritmo, los clímax. En la grabación este click track aparece de manera visual (a modo de destellos, barras, puntos sobre una pantalla de proyección que se coloca enfrente del director y tras la agrupación musical) o sonora (similar a un metrónomo que escuchan por auriculares) para ayudar al director y a los músicos a ser más exactos. El click track permite un acople exacto de la música en las escenas

6. Tras esto hay que añadir los efectos especiales, acoplar la música a la imagen… Este punto es importante porque ambas pistas (la de efectos especiales y música) muchas veces pugnan entre ellas por prevalecer en una secuencia. Es importante que el compositor esté presente cuando se hagan las mezclas definitivas. 

Escuchar música para banda sonora puede ser aburrida e incoherente, y ver una película sin música poco emocionante, pero ambos ingredientes resultan un deleite para los sentidos.

En España además contamos con el Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda (Jaén), al que os recomiendo encarecidamente seáis o no entendidos en música pero sí amantes de las bandas sonoras y del cine. Aquí más información http://festival.bsospirit.com/index.php

Y hablando de España, ¿Qué sabemos de los compositores de bandas sonoras españoles? ¡Existen! Y son muy buenos. Aquí tan solo una pequeña muestra de lo que tenemos en nuestro país.

Bandas sonoras rechazadas http://rejectedfilmscores.150m.com

 BIBLIOGRAFÍA Y WEBS

Coplan, Aaron. (2006). Cómo escuchar música. Fondo de Cultura Económica.
Strawinski, I (1981): Poética musical. Taurus. Madrid.
"La composición musical al servicio de la imagen cinematográfica. Revista Eufonía". Didáctica de la música, nº 4, pp. 47-58, julio 1996.
Morricone, E. (1997) La música, el cine. Fundación Municipal de Cine de Valencia.
Xalabarder, Conrado. Música de cine. Una ilusión óptica.
Xalabarder, Conrado. Enciclopedia de las Bandas Sonoras
Chion, Michel. (1994) Audiovisión. Columbia University Press
Arcos, María. (2006) Experimentalismo en la música cinematográfica. Fondo de Cultura Económica.
Cueto, Roberto. (1996) Cien bandas sonoras en la historia del cine.
Enciclopedia de las Bandas Sonoras: http://blogs.hoycinema.com/unamusicadecine/2007/07/27/enciclopedia-las-bandas-sonoras/
Diccionario de las Bandas Sonoras: http://blogs.hoycinema.com/unamusicadecine/2007/06/15/diccionario-bandas-sonoras/
Breve historia de las Bandas Sonoras: http://blogs.hoycinema.com/unamusicadecine/2007/03/29/breve-historia-las-bandas-sonoras/
Artículo La música en el cine: http://www.etcetera.com.mx/articulo.php?articulo=5235
Sobre temps- tracks http://frikiperopoco.blogspot.com/2006/11/la-tragedia-de-componer-una-banda.htmlSiete pasos para la composición: http://www.ronjonesproductions.com/compositions

    ¿Quieres más vídeos? Los compositores hablan en primera mano:
    - Hollow Man (Banda sonora aislada y audio comentario de Jerry Golsmith)
    - I Robot (Bso aisla y audio comentario de Marco Beltrami, ojo que es Edición especial Zona 2)
    - The Frighteneers (Documental de casi 20 minutos sobra la música y los FX sonoros)
    - Planet of the apes (Sessiones de grabación con Danny Elfman)
    - Men In Black II (Sesiones de grabación con Danny Elfman)
    - The Incredibles (hay un par de segmentos sobre la música)
    - Indiana Jones Trilogy (El disco de extras viene con un documental “La música de Indiana Jones”)
    - Conan The Destroyer (Documental sobre la creación de la música de Conan)
    - The Omen Edición especial (extenso documental sobre la música de Goldsmith)

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    ¿Fa bemol ... o Mi?


    ¿Cómo afinan los músicos?
    ¿Todos los instrumentos se afinan igual?
    ¿Es lo mismo una misma nota para un instrumento o para otro?
    ¿Cómo es la relación de tonos y semitonos en una octava musical?

    Cuando escuchamos música, pocas veces nos preguntamos cómo habrá afinado su instrumento el intérprete y mucho menos, qué sistema habrá seguido. Sin embargo, antes de la interpretación, existe (o debería existir) una reflexión previa en cuanto a la manera de afinación utilizada. En este artículo nos aproximaremos  de una manera básica a este universo tan desconocido.

    CONCEPTOS IMPORTANTES

    Por supuesto debemos conocer de qué estamos hablando.
    -    Cantar o tocar entonando con perfección los sonidos.
    -    Poner en tono justo los instrumentos musicales con arreglo a un diapasón o acordarlos bien unos con otros.
    El Diccionario Harvard de la Música también nos propone dos líneas de enunciado:
    •    Acción de adecuar las alturas de los sonidos y equipararlos entre dos voces o instrumentos.
    Cuando se intentan unificar dos sonidos hay que tener en cuenta que compartan las frecuencias de la nota fundamental y de los armónicos superiores. Si dos sonidos están desafinados oiremos una especie de “batidos”. Un sonido puro no produciría batidos.
    •    Las frecuencias o alturas concretas a las que hace alusión la primera definición.
    En este sentido toman parte las proporciones matemáticas y la concepción científica de la música que ha dado lugar a tantos sistemas de afinación a lo largo de la Historia.

    Por diapasón se entiende la altura concreta o frecuencia que tiene un sonido. Nuestro La3, de manera arbitraria e internacional tiene 440 herzios, o vibraciones por segundo. Hay que tener en cuenta que el número de herzios no ha sido siempre el mismo. En época de Bach, por ejemplo, el diapasón sonaba aproximadamente medio tono descendente y además, fluctuaba dependiendo del uso de la música en un ámbito eclesiástico o de corte.

    La coma es un intervalo más pequeño que un semitono. El sistema temperado ni la escritura convencional lo recogen. Sin embargo los sistemas de afinación regular e irregulares sí utilizan las comas.

    Temperar es alterar imperceptiblemente ciertas consonancias en beneficio de otras de tal forma que se logre un cierto equilibrio entre todas. Realmente lo que hace es “desafinar” ciertos intervalos con la intención de que haya equilibrio entre ellos y elimina la diferencia de sonido entre enarmónicos. De esta manera se relacionan los 12 semitonos iguales de una octava.
    El acercamiento a este sistema se lo debemos al teórico español del siglo XV Bartolomé Ramos de Pareja. Aunque no se sabe cuándo se empezó a utilizar el sistema temperado en la práctica, en su tratado Música Práctica nos dice que ya en ese siglo era habitual para los instrumentos de tecla. Se adelantó por tanto dos siglos a las teorías del sistema bien temperado de Bach (y sus 48 preludios y fugas de su Clave Bien Temperado).
    En relación al Clave Bien Temperado de Bach, se ha discutido mucho si se refiere a un temperamento regular, tal y como conocemos hoy en día, o a cualquiera de los temperamentos irregulares que existían en la época en Alemania. Lo que está claro es que hace alusión a un temperamento que permite la modulación entre todas las tonalidades del círculo de quintas, sin utilizar la quinta del lobo.

     
    Sin entretenernos en cuestiones de la evolución histórica de los sistemas de afinación, nos centramos directamente en nuestra afinación temperada, la usada en nuestros días en el mundo occidental.
    Una de las controversias principales entre los músicos (especialmente entre los músicos de cuerda y cantantes y los instrumentistas de tecla o de instrumentos de afinación fija) son las enarmonías
    ¿Suena igual un Mi y un Fa bemol? La respuesta es sí… y no. Depende del temperamento que utilices y el efecto que quieras lograr. Veámoslo a continuación:

    La afinación temperada mesotónica fue muy utilizada en el Renacimiento y en el Barroco temprano sobre todo para instrumentos de tecla como el clave o el órgano. Los tonos de este sistema son iguales mientras que los semitonos no. Así se obtienen terceras más puras. En este sistema se diferencian el La bemol del Sol sostenido y el Mi bemol de Re sostenido. Se solucionaba afinando las teclas negras con Do sostenido, Mi bemol, Fa sostenido, Sol sostenido y Si bemol, de esta forma eran muy poco usuales en el Barroco las obras con más de tres alteraciones.

    La afinación temperada regular es la que divide la octava en partes iguales y elimina toda diferencia sonora entre notas enarmónicas. Se basa en la afinación pitagórica por quintas pero rebajando estas quintas y ampliando levemente las cuartas y la tercera mayor. Aunque no hay ningún intervalo puro es muy práctica pues se puede transportar a cualquier tonalidad existente y equiparar todos los instrumentos existentes. Se utiliza desde el siglo XVIII hasta el día de hoy.

    La afinación temperada irregular presenta sistemas muy variados pero se pueden dividir en tres grupos. Por un lado los que modifican el sistema pitagórico para acercarse a una afinación justa, o distribuyen de manera diferente las compas pitagóricas (Renacimiento y Barroco). Por otro están los propios del siglo XVII que modifican la afinación mesotónica haciendo practicable la quinta del lobo (en Francia). Por último, también en el siglo XVII, los llamados “buenos temperamentos”, consistentes en un ciclo de quintas cerrado que permite la variedad de intervalos entre diferentes tonalidades.

    Además existe la denominada afinación expresiva, utilizada sobre todo en instrumentistas de cuerda para conseguir determinados efectos expresivos. Consiste en exagerar mucho la afinación pitagórica haciendo las terceras mayores más grandes y las menores más pequeñas para realizar una interpretación más apasionada. Otras modificaciones son factibles, como las que realizaba el chelista Pau Casals, tocando las sensibles más altas hacia la nota que resuelve y las séptimas dominantes más bajas como sensibles descendentes.

    Por lo tanto, ¿suena igual un fa bemol y un mi? La diferencia de opiniones no es tanto de ejecución del sonido como elección de un sistema de afinación u otro. Los instrumentos de cuerda frotada afinan sus cuerdas al aire mediante quintas justas y a las notas pulsadas suelen utilizar el sistema pitagórico o el sistema de Holder, aunque también es habitual el sistema temperado si son acompañados o tocan en conjunto con instrumentos de afinación no variable. En el caso de realización de un solo es habitual la afinación expresiva. 
    La voz humana también es absolutamente independiente y el cantante suele utilizar la afinación más conveniente según el repertorio que interprete.

    No debemos olvidar que en las agrupaciones instrumentales como coros u orquestas se aglutinan tanto instrumentos de afinación fija como de afinación libre de manera simultánea, de manera que el espectador debe tener cierta “conformidad” auditiva porque si no la diferencia de un mismo sonido en diferentes instrumentos se le haría insoportable y, aunque entra en juego la habilidad del ejecutante para dar la nota correcta, estas diferencias de afinación son inevitables por la propia configuración de los instrumentos.

    BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

    - Bosanquet, R. H. M (1885). An elementary treatise on musical intervals and temperament. Association of London.
    - Gallaga, J. M. (2010) Estudio completo de las Comas Acústicas. Ediciones Beta III Milenio.
    - Gordárez Gainza, J. J (1992) Afinación y Temperamento en la Música Occidental. Alianza Música.


      
    ¿Quieres saber más acerca de los diferentes sistemas de afinación histórica? ¡Sin problemas atenderé todas las preguntas!

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